Lucio Silla

1. Wolfgang Amadeus Mozart est un compositeur autrichien.

2. Il a vécu au XVIIIè siècle.

3. Il a vécu à l’époque classique.

4. C’est un enfant prodige.

5. C’est un virtuose du piano et du violon.

6. À l’âge de sept ans, il part en tournée de concerts dans toute l’Europe avec son père.

7. Il est l’un des représentants du style musical viennois, avec Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven.

8. Il a composé 41 symphonies.

9. Il a composé une vingtaine d’opéras.

10. Il est mort à l’âge de 35 ans.

L’opéra est un genre musical qui regroupe un orchestre, des chanteurs solistes et un choeur. Il s’agit d’une oeuvre musicale et théâtrale, avec un livret qui met en scène des personnages, incarnés par des chanteurs solistes.

L’opéra est né en Italie, à la toute fin du XVIe siècle. Le premier opéra est Dafne, du compositeur italien Jacopo Peri, en 1598. Le genre se développe, notamment grâce au compositeur Claudio Monteverdi, et le chant prend de plus en plus de place : les airs se font plus virtuoses, et alternent avec les récitatifs. Les livrets opposent des éléments tragiques à des éléments comiques, avec la présence de la magie et du merveilleux dans l’histoire.

En France, le compositeur Jean-Baptiste Lully crée un style d’opéra français avec la tragédie lyrique. Les sujets tournent alors autour de la mythologie.

Au XVIII^e siècle, l’opéra se développe aussi en Allemagne notamment avec Wolfgang Amadeus Mozart et le genre du Singspiel. À cette époque, on distingue deux grandes catégories d’opéra : l’opéra seria, au caractère sérieux et noble, et l’opéra buffa, au style plus léger et aux sujets comiques.

Au XIXe siècle, les opéras prennent une dimension plus grande, avec un élargissement de l’orchestre. On peut citer comme exemple Carl Maria von Weber, Gioachino Rossini, Giuseppe Verdi, Charles Gounod, Jules Massenet…

Les sujets correspondent à l’idéal romantique de l’époque : le merveilleux et l’amour sont toujours présents, le héros torturé est au centre de l’intrigue, et la musique se fait plus expressive et grandiose.

Le compositeur allemand Richard Wagner repousse les limites de l’opéra : il rassemble un orchestre de plus de cent musiciens et des chanteurs aux voix plus puissantes, pour des opéras qui durent plusieurs heures. Il compose notamment l’Anneau du Nibelung, un ensemble de quatre opéras inspirés de la mythologie germanique et nordique, dont la durée totale est de quinze heures environ.

Au XX^e et au XXI^e siècle, les compositeurs cherchent à développer le genre de l’opéra d’une autre manière, en rupture avec Wagner. Ils développent d’autres langages musicaux, et choisissent des sujets plus réalistes pour leur livret.

Comme dans une pièce de théâtre, un opéra se structure en plusieurs actes. L’opéra commence toujours par une ouverture instrumentale, juste avant l’Acte I, dans laquelle seul l’orchestre fait entendre les mélodies principales de l’oeuvre et donne le ton général (léger, dramatique…).

Les voix des solistes sont différentes selon les personnages. Les voix principales de l’opéra sont les suivantes : soprano (voix de femme aigue), ténor (voix d’homme moyenne), basse (voix d’homme grave). Traditionnellement, la voix de soprano incarne l’héroïne amoureuse, la voix de ténor le héros amoureux et la voix de basse le méchant ou le sage.

La musique de Mozart, même seulement instrumentale dans ses symphonies par exemple, contient une véritable dimension dramatique. Le compositeur a l’art de faire parler sa musique, même sans texte, et ses opéras n’en sont que plus riches et complexes.

Mozart compose des airs qui représentent musicalement le personnage qui chante : il traduit en musique les traits de caractère des personnages, naïfs, innocents, méchants, vengeurs, menaçants, ambitieux (dans La Flûte enchantée par exemple). Mozart, aussi bien par les livrets que par sa musique, n’hésite pas à mener une critique sociale. Il se moque ouvertement de la bourgeoisie et de la noblesse, et brosse un portrait malicieux et souvent triomphant des serviteurs (dans Les Noces de Figaro par exemple).

Certains livrets proposent un décor oriental, avec une histoire qui se déroule dans un pays lointain (L’enlèvement au sérail) ; Mozart représente alors musicalement le paysage exotique, en utilisant un ensemble d’instrument de percussion intéressant : le triangle, les cymbales et la grosse caisse font référence à la musique d’un autre pays, et deviennent, grâce à Mozart, un symbole musical pour évoquer l’Orient.

Les opéras de Mozart sont puissants, expressifs, et prennent des visages tantôt menaçants, tantôt légers, joyeux et débordants de vivacité. Le compositeur contribue à faire évoluer le genre à un moment où l’opéra est en pleine mutation, et on compte parmi les opéras de Mozart de nombreux chefs-d’œuvre, comme L’enlèvement au sérail (1782), Les Noces de Figaro (1786), Don Giovanni (1787) ou La Flûte enchantée (1791), son dernier opéra composé quelques mois avant sa mort.

L’argument

L’histoire se déroule dans la Rome antique. Cecilio, qui avait été banni de la ville par le dictateur Lucio Silla, revient à Rome pour sauver sa promise, Giunia, des griffes du tyran qui veut l’épouser.

Cecilio, aidé de Cinna, lui-aussi ennemi du dictateur, organise un projet de vengeance dans le but de tuer Lucio Silla, mais le plan échoue et Cecilio se retrouve en prison.

Finalement, grâce à la supplication de Giunia face au peuple et au Sénat, Lucio Silla se repent ; il accepte le mariage de Giunia et de Cecilio, ainsi que celui de Celia et de Cinna, et renonce à son pouvoir, rendant ainsi à Rome la liberté.

Signes particuliers

Mozart a seulement 16 ans lorsqu’il compose Lucio Silla. Pourtant, malgré son jeune âge, il a déjà écrit de nombreuses œuvres : pièces pour piano, musique de chambre, sonates, concertos, opéras, symphonies… Il maîtrise les genres et affirme son style.

La commande lui est passée à Milan, où il finalise la composition de son opéra dans les semaines qui précèdent sa création : il écrit après avoir rencontré les musiciens et les chanteurs et adapte sa partition en fonction des interprètes. L’opéra est un succès et est repris de nombreuses fois.

Dès l’ouverture, la vivacité du style musical de Mozart se fait entendre. Ce mouvement est plutôt long et se structure en trois parties. La première section, affirmée, quasi pompeuse, propose de grands tuttis, mis en valeur par les cuivres et les timbales qui contribuent à l’aspect grandiose de ce début.

Un peu plus loin, un passage plus lent et plus doux, principalement aux bois et aux cordes, fait entendre des contrastes de nuances : malgré la légèreté de l’œuvre, la menace n’est pas loin… L’ouverture s’achève avec vivacité et brillance grâce aux cordes, très rapides, qui font preuve de virtuosité.

Mozart reprend ici le style orchestral de ses symphonies. Les airs expriment avec sensibilité et expressivité le texte et le caractère des personnages, tantôt soulignés par les trompettes et les cors victorieux, tantôt soutenus par des cordes expressives, et les grands chœurs ponctuent l’opéra en mettant en valeur les moments forts du livret.

La mise en espace est un dispositif scénique plus simple qu’une mise en scène. Généralement, les décors et les costumes sont plus sobres. Pour sa mise en espace, la metteuse en scène Rita Cosentino s’est appuyée sur une direction d’acteurs très soignée, bien mise en valeur par une création lumières. En voici quelques images…