Requiem – Sky Burial

Mon intention pour le Requiem de Faure est de présenter une grande projection vidéo qui fait écho aux thèmes évoqués dans la musique et résonne avec des questions et des préoccupations plus larges dans le monde contemporain. J’ai décidé de créer un environnement ambigu avec une sensation dystopique dans lequel les rites de mort existants de l’Est ont été transposés à un environnement occidental. J’ai choisi les « enterrements célestes » comme point de départ, une pratique pratiquée dans des pays comme le Tibet; où le sol est trop dur pour creuser une tombe et l’altitude trop élevée pour que les arbres poussent et brûlent sur un bûcher, obligeant les gens à utiliser les ressources dont ils disposent; les vautours indigènes, dans « l’enterrement » de leurs morts.

J’ai situé mon film dans une tour du centre-ville, suggérant qu’une certaine forme de catastrophe a pu avoir lieu, empêchant les procédures normales d’enterrement d’avoir lieu. Ma décision de créer une atmosphère inquiétante était une tentative de suggérer que les relations humaines avec la nature n’étaient pas tout à fait harmonieuses et que les sublimes méditations sur la mort et la mort sous la forme d’un Requiem étaient devenues difficiles pour faire face aux inconvénients de la mort dans un paysage postindustriel hautement mécanique.

Les scènes du lit de mort sont entrelacées de séquences d’eau; d’abord un ruisseau à sa source, suivi de rivières toujours plus larges. Ceux-ci pourraient potentiellement être la vue des vautours alors qu’ils volent de la scène d’introduction à la tour du centre-ville. Ils reflètent également le processus progressif du vieillissement; De jeune à mature à une dissipation inévitable dans l’éther qui transpire lorsque la rivière se jette dans la mer. Le festin brutal transgressif des vautours sur les cadavres est contré par l’orchestration sublime qui sérénade les oiseaux alors qu’ils volent vers le coucher du soleil.

La consommation barbare dans ce contexte recadre le récit d’une manière holistique, les vautours contribuent à un cycle écologique qui, bien que bestial, est dans les limites du monde naturel.

Qu’est-ce qui vous a incité à associer la projection vidéo « Sky Burial » avec une performance musicale en direct utilisant des instruments d’époque ?

Insula orchestra réalise chaque saison des créations scéniques, avec des œuvres qui ne sont pas des opéras. Nous travaillons notamment avec une agence appelée « Ponts neufs », qui nous a parlé de ce film de Matt Collishaw. J’ai toujours essayé de faire résonner des œuvres du passé dans le présent. La combinaison de la musique sacrée de Fauré et Gounod sur des instruments originaux, avec un artiste visuel, m’a semblé tout à fait en phase avec les projets que nous développons.

Quels sont les avantages de combiner un son « historique », plutôt que d’utiliser des instruments modernes, avec les visions dystopiques du futur ?

La pratique historiquement informée est une tentative d’approcher l’expérience sonore d’une période aussi près que possible, afin de trouver le sens profond de cette œuvre.

Il ne faut pas voir cette recherche comme une image fidèle du passé ; il s’agit plutôt de construire des ponts entre notre réalité musicale et celle de nos prédécesseurs.
D’un point de vue plus technique, les instruments de l’époque de la composition restituent beaucoup mieux l’équilibre entre les sons, et la couleur d’ensemble est très différente.

Dans une certaine mesure, la réappropriation d’un ancien rituel bouddhiste par le biais d’un média moderne comme la vidéo n’est pas un processus totalement différent… Le pont est différent, mais il reste un pont.

Le film est assez dur et nous rappelle nos contradictions humaines et notre très mauvaise relation avec la nature. Le fait que le son soit « original » renforce cette torsion entre une forme d’apaisement face à la mort, qui existe dans la musique de Fauré et de Gounod, et les erreurs de nos actions sur terre

Selon vous, quel rôle joue la musique par rapport à l’imagerie ; s’agit-il d’une relation unilatérale ou, comme l’affirme Collishaw, d’une « fusion du visuel et du sonore » ?

Comme je l’ai dit précédemment, les deux œuvres jouées avec le film révèlent une attitude très sereine, en apesanteur, face à la mort. Le mot « ciel » prend tout son sens. Dans les deux cas, il y a cette montée au ciel, au paradis pour le défunt. Les images sont tragiques et menaçantes avec la présence des vautours. Je pense que Matt Collishaw recherchait la même contradiction que celle que l’on ressent dans le rituel religieux bouddhiste, qui est d’ailleurs assez macabre. C’est pourquoi il a choisi Fauré et non Verdi. Malgré la mort, nous ne comprenons pas comment nous devrions vivre.
La musique raconte ce pour quoi nous aurions mérité de mourir. Le film dit que cette mort décrite et jouée par la musique nous a échappé.

*par exemple, Music Investigation, Louise Farrenc et les femmes compositrices.
**comme la bande-dessinée Louise Farrenc, illustrée par Chloé Wary.

Fauré voyait la mort comme une délivrance joyeuse, une aspiration à un bonheur d’outre-tombe, plutôt que comme une expérience douloureuse. Comment cette conviction se reflète-t-elle dans le choix du texte et dans la mise en musique ?

Les choix musicaux et textuels de Fauré reflètent clairement ses convictions spirituelles.
Fauré a utilisé un rite parisien très ancien, qui ne comprenait pas le dies irae – qui dépeint le Jugement dernier de manière effrayante et apocalyptique – et qui employait le Pie Jesu. À la fin, il a ajouté deux antiennes grégoriennes qu’il a entièrement recomposées.

Ce Requiem comporte une certaine noirceur, mais il est relativement serein. Il laisse une large place à la pureté et même à la joie, ce qui souligne le fait que la mort est une libération douce et désirée.

Les Requiem de Mozart à Verdi n’ont pas le même développement textuel et sont plutôt sombres et dramatiques. L’atmosphère musicale générale du Requiem de Fauré est souvent calme, suspendue, avec des tonalités diaphanes, presque angéliques.

Le manuscrit de Gounod pour Saint François d’Assise n’a été redécouvert qu’en 2011, et vous en avez réalisé le premier enregistrement en 2016. Quels sont les défis liés à la création d’un document sonore pour la première fois ?

La découverte de ce manuscrit est romanesque ! il a été trouvé dans l’armoire d’une religieuse. Et nous avons tout fait pour que le manuscrit soit conservé dans la bibliothèque française, car il devait être vendu chez Sotheby’s ! C’est presque un miracle que nous ayons pu le jouer, et nous essayons de faire au mieux pour que le public découvre l’œuvre avec autant de bonheur que nous.

Gounod a commencé l’œuvre pendant ses études et l’a achevée deux ans avant sa mort, avec beaucoup d’opéra entre-temps. Comment l’interprétation de cette œuvre s’inscrit-elle dans le contexte général de « Sky Burial » ?

Les deux scènes racontées dans le St François de Gounod sont « la cellule » et « la mort ». Dans la scène de la cellule, Saint François reçoit les stigmates de la croix. Dans la « mort », Saint François convoque ses frères pour les avertir de sa mort imminente. C’est très monastique, dans un style roman. Et dans cette scène, il y a la mort de Saint François avec simplicité, confiance et apaisement, et le chant des anges qui accompagne sa montée au ciel. C’est un préambule exceptionnel à la lamentation religieuse qu’est le Requiem de Fauré.

Dans la religion chrétienne, Saint François est le plus grand saint, l' »alter Christus », et surtout, il met en lumière un homme au parcours exemplaire, un homme qui aimait profondément la nature et qui parlait aux oiseaux. Et cette relation entre l’homme et la nature est clairement remise en question dans le film de Matt.

Les deux compositeurs n’appartiennent pas à la même génération, mais les premières exécutions de leurs œuvres sont presque contemporaines et les réflexions spirituelles de Fauré et de Gounod sur la mort sont très similaires dans les deux œuvres. C’est pourquoi il nous a semblé pertinent de les mettre sur un même programme musical.

Nomenclature – Mode d’emploi